Die 30 am meisten unterschätzten Filmmusiken der 2010er Jahre, Rangliste

Die 2010er Jahre waren eine neue Ära für die Branche und für Filme. Wie wäre es mit den Filmmusiken? Schauen wir uns 30 davon an, die mehr Liebe verdienen.

Die 2010er Jahre. Puh! Wir haben bis Sonntag in jeder Hinsicht einen verdammt schwierigen Start in das neue Jahrtausend hinter uns. In den 2000er Jahren erlebten wir einen schockierenden Angriff auf amerikanischem Boden, einen neuen Präsidenten, der uns in unseren längsten Krieg hineinzog, Hip-Hop dominierte die Welt, der iPod wich der Revolution und Dominanz von Apple, das Aufkommen von Reality-TV usw Das Internet erobert das tägliche Leben, eine globale Rezession, ein Schriftstellerstreik, der Aufstieg von Facebook, der Tod von Michael Jackson und, um das Ganze abzurunden, der erste schwarze Präsident der Nation! Dann erlebten wir in der Welt des Kinos ein wiederbelebtes, großartiges und kraftvolles Comeback des Superhelden-/Comic-Genres in den öffentlichen Zeitgeist (und an die Kinokassen) und festigten seinen kolossalen Thron im Königreich Hollywood.

Wir hatten begabte, brillante, talentierte und polarisierende Autoren, die auftauchten und dem Hollywood-System heftige Schläge versetzten. Wir hatten einen neuen Batman, einen neuen James Bond, die Rückkehr von James Cameron, die „Herr der Ringe“-Filme, die neue filmische Magie entfalteten, Ashton Kutcher, der endlich eine dramatische Rolle übernahm, die geliebte Serie „Friends“, die zu Ende ging, die Saw Franchise fast im Alleingang das Horror-Genre wiederbelebte, wir sahen, wie Anakin endlich die Vader-Maske aufsetzte, Harry Potter sein filmisches Vermächtnis schuf, Indiana Jones zurückkam, Twilight alle in den Wahnsinn trieb, Jack Sparrow alle zum Lachen brachte, Martin Scorsese den absolut überfälligen Sieg errang Oscar aller Zeiten und natürlich „Brangelina“. Ganz zu schweigen davon, dass Robert Downey Jr. eine zweite Chance im Leben bekommen hat!

Nach einem so turbulenten Jahrzehnt wusste natürlich niemand, was ihn im nächsten Jahrzehnt erwarten würde. Und absolut NIEMAND wäre darauf vorbereitet. Es ist, als wären die 2010er Jahre eine chaotischere Fortsetzung der 2000er Jahre. Mehr globale Konflikte, mehr soziale Medien, mehr Reality-TV, mehr Technologie als je zuvor und natürlich stellt Donald Trump mit seinem Aufstieg die ganze Welt auf den Kopf. Aber in Bezug auf die Popkultur änderte sich alles genauso schnell und historisch. Während der letzte, sterbende Atemzug von Blockbuster überall langsam zu Ende ging, marschierte der Boom der Streaming-Dienste, angeführt vom mächtigen Netflix, auf die jahrhundertealte Mauer Hollywoods zu, wie die Griechen in der berühmten Schlacht nach Troja marschierten, entschlossen, zu herrschen und zu verändern den Status quo zu ändern und in mehr als einer Hinsicht erfolgreich zu sein.

Und die Branche würde nie mehr die gleiche sein ... dann hatten die Avengers offiziell die Geburtsstunde des „Kinouniversums“-Trends, der heute die Richtung vorgibt, in die die Studios bei vielen ihrer Filme gehen. Technologische Fortschritte führten zu mehr Einfallsreichtum beim Filmemachen, beispielsweise dem Prozess der „Entalterung“ alter Schauspieler, um bestimmte Charaktere mit unterschiedlichem Erfolg anzupassen. Vielfalt im Kino war die führende Bewegung des Branchenwandels und führte zu bahnbrechenden Meilensteinen wie „Black Panther“, „Moonlight“ und „Wonder Woman“. Das Star Wars-Franchise erlebte eine große – und polarisierende – Rückkehr zur Popkultur. Hunger Games übernahm den YA-Mantel von Twilight. Disney begann seinen Trend zu Live-Action-Remakes.

Das Horror-Genre wurde mit der „Elevated Horror“-Bewegung wiedergeboren, angeführt von Game-Changern wie Jennifer Kent, Jordan Peele, Blumhouse und A24. Darren Aronofsky wurde tatsächlich zu polarisiert, als es ihm guttat. Margot Robbie und Lupita Nyong'o betraten die Bühne und bezauberten die Menschheit mühelos. Leonardo DiCaprio hat endlich SEINEN überfälligen Oscar gewonnen. Christian Bale verabschiedete sich von Batman. Brad Pitt und Angelina Jolie haben Schluss gemacht. Hugh Jackman verabschiedete sich bahnbrechend von Logan. George Miller hatte mit einem der größten Actionfilme aller Zeiten eines der größten und verblüffendsten Comebacks in der Geschichte Hollywoods. Das Fast and Furious-Franchise wurde zu einem beneideten Giganten. Charlie Sheen wurde zum globalen Paria. Und natürlich, damit wir es nicht vergessen: Der Sturz von Harvey Weinstein im größten Skandal, den die Branche seit Jahrzehnten erlebt hat, und die Nachwirkungen der MeToo-Bewegung haben Hollywood (und so ziemlich jede Branche) erneut auf den Kopf gestellt ... und die Dynamik von, nun ja, allem verändern!

Wie waren also die Filmmusiken für viele der brillanten Filme, die herauskamen, da in dem wohl einflussreichsten Jahrzehnt Hollywoods seit langem so viel passiert ist? Haben all diese Veränderungen irgendwie die Welt der Komponisten oder ihren wesentlichen Beitrag zum Filmemachen beeinflusst? Die Antwort ist ein klares NEIN! Wir hatten ein weiteres unvergessliches Jahrzehnt voller Partituren inmitten all des anderen Lärms. Viele stammen von Komponisten, die uns noch nicht im Stich gelassen haben, wie Hans Zimmer, John Williams, Trent Reznor und Atticus Ross, Ludwig Goransson, Brian Tyler, Marco Beltrami usw. Auch in der Welt der Filmmusik gab es ein paar bahnbrechende Veränderungen, etwa den Tod des legendären Ennio Morricone (RIP) und der ersten weiblichen Oscar-Gewinnerin seit über zwei Jahrzehnten, Hildur Guðnadóttir, die mit ihrer Filmmusik für „Joker“ gewann . Aber wie üblich hatten wir viele wundervolle Partituren und Komponisten, denen entweder nicht ausreichend oder überhaupt nicht die nötige Aufmerksamkeit geschenkt wurde. Es ist fast mühsam, mit der Liste zu beginnen, aber los geht's.

Der Beginn des Kinojahrzehnts der 2010er Jahre begann mit einem Paukenschlag, mit vielen großartigen Filmen, darunter einer von Darren Aronofskys berühmtesten. Es wurde allgemein für viele Qualitäten gelobt, aberSchwarzer Schwan Die Partitur von Clint Mansell hätte stärker ins Gespräch kommen können. Er verknüpfte seine Kompositionen auf brillante Weise mit Tschaikowskys Schwanensee-Ballett, jedoch mit genügend Abwechslung und Originalität, um sie frisch und nicht abgeleitet erscheinen zu lassen.

Und seine eigenen Kompositionen waren ebenso brillant und meisterten die Spannung der Geschichte, Ninas Kämpfe mit sich selbst und ihre leicht verdrehte Reise der Selbstfindung, insbesondere in Titeln wie „Lose Yourself“ und „Opposites Attract“. Und dem Soundtrack dann in „A Swan Song (For Nina)“ einen perfekten, dualistischen Abschluss zu geben.

Von allen musikalischen Kooperationen, die Sir Ridley Scott im Laufe seiner legendären Karriere hatte, wurde seine kurze Zusammenarbeit mit dem Komponisten Marc Streitenfeld am meisten unterschätzt. Marcs Partitur für diesen ebenfalls unterschätzten historischen Film war über dem Durchschnitt der üblichen historischen epischen Filmmusik. Er hat die Kulisse des Englands des alten Jahrhunderts wunderbar eingefangen und der Partitur eine echte Bandbreite verliehen.

Es gab ruhige und emotionale Titel wie „Sherwood Forest“ und „Walter’s Burial“, spannende und hinterhältige Titel wie „Godfrey“, der perfekt zu einem der Hauptschurken passte, und spannende, gut gemachte Hinweise für die Actionszenen. Der einzige Nachteil war das leichte Fehlen eines zentralen Themas für Robin selbst, aber ansonsten handelte es sich hier nicht um eine generische, heruntergekommene Standard-Actionfilmmusik.

Dieses sträflich unterschätzte Schwert-und-Sandale-Epos hat eine ebenso unterschätzte Musik von Atli Orvarsson. Seine Musik erinnert an traditionelle historische Hollywood-Epen mit kraftvoller Erhabenheit und spiritueller Einzigartigkeit. Er verwendet nahezu jedes antik klingende Element, das es gibt, darunter wunderschöne Hymnen, Gesangsmelodien, ein kraftvolles Orchester und keltische Musik wie Uilleann-Pfeifen und Stammestrommeln. Und Tracks wie „I Will Return“ sind wunderschön, inspirierend und emotional. Seine Partitur ist wunderbar fesselnd, faszinierend und gleichzeitig wunderschön altmodisch und frisch, und nach all den Jahren bleibt sie eine der denkwürdigsten historischen Partituren aller Zeiten.

Diese Filmmusik des brillanten Veteranen James Newton Howard erhielt bei der Veröffentlichung gemischte Kritiken, weshalb sie unterschätzt wird, da es sich tatsächlich um einen umwerfenden Action-Thriller-Soundtrack mit recht interessanten und unorthodoxen Elementen handelt. So sind zum Beispiel die emotional mitreißenden, bewegenden und ergreifenden Stücke „Cognitive Degrade“ und „Viralled Out“ keine gewöhnlichen Musikstücke, die man in Sommer-Blockbustern wie diesen erwarten würde.

Und alle actionorientierten Tracks sind herzzerreißend, stilvoll und spannend. Die Partitur enthält viele stimmungsvolle Instrumente, bestehend aus Elektronik, Schlagzeug und sogar Streichern. Im Gegensatz zu dem, was seine Kritiker gehört haben müssen, ist dies eine der am besten gemachten, interessantesten, ernstesten und fesselndsten Action-Scores aller Zeiten.

Der Neustart von jedermanns beliebtestem Web-Slinger aus der Nachbarschaft war ein überraschend erfolgreicher Neustart und war, obwohl es sich um ein kurzlebiges Franchise handelte, eine frische und etwas düsterere, düsterere Version des Superhelden. AberDer unglaubliche Spiderman Die von dem verstorbenen und legendären James Horner komponierte Filmmusik war noch überraschender, wurde aber leider nicht so geschätzt wie Danny Elfmans Werke aus den Sam-Raimi-Filmen. Horners Partitur war überraschend, weil sie im Vergleich zu anderen Superheldenfilmmusiken anders und frisch war.

Während der Sound des Blockbuster-Superhelden auf Bombast und Erhabenheit setzte, war Horners Sound sanfter, ruhiger, emotionaler und experimenteller. Während das Hauptthema immer noch ein Gefühl von filmischem Heldentum vermittelt, beginnt es mit faszinierenden Gesangsklängen. Und es schwankt zwischen Höhen und Tiefen voller Erhabenheit und fesselnder Neugier, um dann mit einem leisen Klavier zu enden. Es enthält alles von intensiver Dunkelheit über traurige und schöne Emotionen bis hin zu intimem und schönem Klavier, bis hin zu Linksfeld-Elektronik und sogar hohen Gesangsmelodien.

Der mit Spannung erwartete Neustart von Superman für die Neuzeit hatte das große Glück, dass Hans Zimmer, der wohl bekannteste und legendärste Komponist seiner Generation, die musikalische Leitung übernahm. Und die Kombination erwies sich als voller Erfolg: Der Soundtrack wurde von Fans und Publikum geschmückt und schaffte es bei seiner Veröffentlichung an die Spitze mehrerer Charts. Warum wird es dann immer noch als unterschätzt angesehen? Einfach wegen der Resonanz unter seinen Kollegen, den Musikkritikern. Über die Partitur waren sie sich sehr uneinig, und viele übten bemerkenswert verblüffende Kritik, etwa, dass sie sich „wiederholt“, zu sehr auf „Schlagzeug“ gesetzt sei oder „zu laut“ sei.

Außer dem wilden „Oil Rig“ gibt es nicht wirklich viele Tracks mit Schlagzeug, und es gibt nur wenige Tracks, bei denen das Schlagzeug Teil der Musik ist, und bei einigen von ihnen bleibt das Schlagzeug ruhig und sanft und baut sich nur auf Intensität gegen Ende. Auch die Erwähnung von Wiederholungen ist nicht stichhaltig, da der Soundtrack geschickt abwechslungsreich ist und die wichtigsten Hinweise, die durchgehend bestehen bleiben, oft optimiert und auf kreative Weise genutzt werden.

Offensichtlich sind wir hier keine professionellen Musikkritiker, aber dennoch steckt in dieser Partitur so viel Brillanz, Schönheit, Spektakel, zarte Wärme und Komplexität, dass es unglaublich traurig ist, dass sie nicht stärker von der kritischen Seite berücksichtigt wurde Dinge. Hier wird die Partitur unterschätzt, sie ist herzzerreißend und verwirrend. Dies ist nach wie vor eine der unglaublichsten, emotionalsten, einzigartigsten und kreativsten Partituren, die je gemacht wurden, und besonders perfekt für diese zeitlose Superhelden-Ikone.

Dieses biblische Epos von Ridley Scott wurde im Vorfeld seiner Veröffentlichung mit Spannung erwartet und löste eine gewisse Kontroverse und Neugier darüber aus, wie verschiedene Aspekte des Films behandelt werden würden. Und als es ankam, war es sowohl bei den Kinokassen als auch bei der Rezeption enttäuschend. Aber einer der besseren Teile des Films, und ehrlich gesagt einer der am meisten unterschätzten, war die Partitur von Alberto Iglesias. Er war eine unerwartete Wahl, brachte aber in puncto Kreativität, Leidenschaft und Ehrgeiz wirklich viel mit.

Er hat die Kulisse und Atmosphäre des alten Ägypten gut eingefangen und der gesamten Partitur ein wunderschönes nahöstliches Flair verliehen. Er setzt das altmodische Orchester und den Chor in grandiosem Stil ein. In bestimmten Stichworten fügt er interessante Gesangselemente hinzu. Und Titel wie „Leaving Memphis“ und „I Need A General“ zeichnen sich wirklich durch ihre kreative Komposition und ihren Sinn für Staunen aus. „Hittite Battle“ ist ein Action-Hit, der mitreißend episch ist und mit ägyptisch klingenden Flöten fesselt. Alles in allem hat Alberto eine einzigartige und passende Partitur geschaffen, die man sich genauer ansehen sollte.

Wie Exodus: Gods and Kings, das im selben Jahr veröffentlicht wurde,Noah Zusammen mit einigen anderen Filmen mit religiösem Thema wurde dieses Jahr im Kino als „Das Jahr der Bibel“ bezeichnet. Wie Exodus war auch Noah umstritten, erhielt aber eine positivere Resonanz als ersterer. Es wurde für seinen Ehrgeiz, seinen Umfang, seine Kreativität, seine Darbietungen und viele andere Qualitäten gelobt, aber über die eindringlich einzigartige Partitur von Clint Mansell, einem der „Autorentalente“ der Komponistenwelt, wurde etwas weniger gesprochen.

Der Film spielte, bevor es auf der Erde tatsächliche Kultur oder ethnische Vielfalt gab, und die Musik spiegelt dies wider, indem sie keine spezifischen kulturellen oder ethnischen Klänge oder Einflüsse aufweist. Dies macht den Ansatz ziemlich ungewöhnlich und bemerkenswert besonders, mit Klängen, die noch nie zuvor in Filmmusik zu hören waren. Er engagierte auch das Kronos Quartett für das Projekt, und angesichts der Prämisse des Films ist die Gesamtstimmung roh, düster, bedrohlich und brutal.

In der Musik kann man fast das Ende der Welt und die Flut spüren, die alles überschwemmt. Man kann tatsächlich das Urteil und den Zorn spüren, der dem Menschen auf durch und durch dunkle und unheimliche Weise zuteil wird. Aber Clint fügt in einigen Titeln auch viel Licht und Hoffnung hinzu, in anderen Ehrfurcht und Staunen und an manchen Stellen sogar eine wunderschöne Melodie. Es gibt durchgehend Stammestrommeln, ahnungsvolle Perkussion und donnerndes Orchester. Aber es gibt auch diese unheimliche Spiritualität in der gesamten Partitur, die sie fast jenseitig erscheinen lässt. Clint fängt mit ganzem Herzen alle Elemente des Films ein, von der gewaltigen Größe und dem wirbelnden, dunklen Spektakel über die atemberaubende, majestätische emotionale Kraft bis hin zur ruhigeren und zarteren Düsterkeit. Dies ist wohl Clints bislang reichhaltigstes und epischstes Werk und verdient im Mainstream-Sinne mehr Beachtung.

Dieser unglaublich düstere, unheimliche Thriller von Denis Villeneuve zeigte eine seiner besten Zusammenarbeiten mit dem verstorbenen Komponisten Jóhann Jóhannsson. Es ist wirklich eine der eindringlichsten und gruseligsten Partituren, die man jemals hören kann. Die Orchester- und Streicherarrangements vieler der düsteren, intensiven Stücke haben eine beunruhigende, aber dennoch fesselnde Kälte, wie in zärtlicher Trauer, die thematisch an die Prämisse des Films über Kindesentführung anknüpft. Manchmal fühlt es sich buchstäblich so an, als ob die Musik selbst um verlorene Kinder weint. Und ein großer Teil der Partitur zeigt dank Johanns Nationalität auch isländische Musikeinflüsse.

Und wenn die Musik wirklich beunruhigend düster wird, wie im Titel „The Keeper“, dann vollzieht sie sich auf erschreckende Weise mit einem sich aufbauenden Crescendo, das einem atemlos den Schauer über den Rücken jagt. Aber es gibt auch Momente des Lichts. Manchmal verleiht Johann den Dingen hier und da eine langsame, hoffnungsvolle, melodische Sensibilität und baut sie manchmal wunderschön auf, wie im Titel „Through Falling Snow“. Alles in allem mag es für das Mainstream-Publikum etwas zu düster und intensiv sein (wie der Film ist), und vielleicht wurde ihm deshalb nicht viel Aufmerksamkeit geschenkt ... aber wenn man bereit ist, es sich durchzuhören, Es ist ein unvergessliches Musikerlebnis.

Die übergroße Fortsetzung der „Amazing Spider-Man“-Duologie hat trotz aller Mängel mit ihrem Soundtrack etwas unglaublich Ehrgeiziges und Episches geschafft. Zunächst einmal hat es bereits großen Erfolg gebracht, den Maestro Hans Zimmer an Bord zu holen. Doch als Hans noch einen Schritt weiter ging, stellte er eine Art musikalische „Supergruppe“ aus talentierten Musikern und Künstlern zusammen, um gemeinsam an der Musik zu arbeiten. Das Ergebnis war ein überlebensgroßes, kantiges, mitreißendes, stilvolles, faszinierendes, großartiges, emotionales und angemessen ehrgeiziges Werk , und einfach ein verdammt cooler Filmsoundtrack!

Und so experimentell es auch war, es bestand ein großes Risiko, dass es überhaupt nicht funktionierte. Ich meine, Hans hat Dubstep benutzt, um laut zu schreien! Aber irgendwie ist ihnen etwas gelungen, das zwar nicht jedermanns Sache ist, aber dennoch unvergesslich ist. Das Thema von Spidey ist mit all seinem überragenden Klangflair, seinem freudigen Heldentum und seinem Selbstvertrauen möglicherweise das Thema mit dem stärksten „Spider-Man“-Feeling, das er jemals in einem Film erlebt hat.

Das Thema von Electro ist wunderbar elektronisch und ehrgeizig mit wütenden Vocals und Texten und einer wirklich unheimlichen Note, ganz zu schweigen davon, dass der kopierte Klang elektrischer Ströme einen Hauch von Genialität darstellt. Das Thema des Goblins ist der verkörperte Terror, der langsam beginnt und sich steigert, bis er zu einem chaotischen Hurrikan aus Intensität und Action mit Gothic-Untertönen wird. Die Hinweise für Gwen und Peter sind zärtlich, schön und ziemlich berührend. Und das alles ist auf der Leinwand des hippen Experimentierens dieser großartigen Supergruppe geschichtet. Alles in allem sorgte der Soundtrack für großes Aufsehen, stieß jedoch in vielen Kreisen auf eine polarisierte Resonanz, wobei die Kritiker positiver reagierten, das Publikum jedoch gemischter war. Aber allein die Schärfe, der Stil und der kreative Ehrgeiz, etwas anderes in Spideys Welt zu machen, und zweifellos von Hans (dies könnte seine „nicht-zimmerischste“ Partitur aller Zeiten sein), hätten mehr begrüßt und geschätzt werden können.

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Dieses unterschätzte Action-/Thriller-Juwel hätte eine allgemeine, kopfschmerzauslösende Standard-Action-/Thriller-Partitur haben können, aber der erfahrene Komponist Patrick Doyle ist anspruchsvoller. Er hat wirklich einen musikalischen Soundtrack geschaffen, der das Thema des Films absolut ernst nimmt. Die angespannte Spionage-Atmosphäre ist im gesamten Film deutlich zu spüren und es gibt natürlich auch pulsierende Action-Tracks, aber auch diese sind mit Überzeugung und Intelligenz umgesetzt und nicht nur mit zusammengewürfelter Techno-Elektronik.

Es gibt auch schöne Momente, insbesondere das Thema Liebe, das zärtlich, angenehm und emotional ist. Dieser völlig unterschätzte Soundtrack hat kaum Beachtung gefunden, ist aber sicherlich einer der besseren und interessanteren, die es gibt.

Interessanterweise stammt die Musik für diesen kraftvollen und zeitgenössischen Science-Fiction-/Actionfilm vom Erstkomponisten Ryan Amon. Der Regisseur des Films, Neil Blomkamp, ​​kontaktierte Ryan wegen der Musik, anstatt sich an einen etablierteren Mainstream-Komponisten zu wenden. Dies war Ryans erster Spielfilm, dem es gelang, ein Tor zu erzielen, und es war die richtige Intuition, ihn zu engagieren, denn nachdem er hier einen so phänomenalen Job gemacht hat, wird er mit Sicherheit eine glänzende Zukunft in diesem Bereich haben.

Seine Punktzahl ist einfach hervorragend! Er fängt alle Aspekte der Geschichte auf solch stilvolle Weise ein, von der düsteren Verzweiflung einer schwindenden Erde über die rasanten Action-Cues, die gekonnt mit dunkler, interessanter Elektronik und pulsierenden Trommelschlägen umgesetzt werden, die an Terminator-Einflüsse erinnern, bis hin zu den wunderschönen melancholische und bewegende emotionale Tracks wie „Matilda“ und „Elysium“. Die Arrangements sind meisterhaft, die Action und das Drama äußerst spannend und die Emotionen tief, tief und traurig. Diese Partitur ist ehrlich gesagt eines der besten Debüts eines Komponisten und eine der besten Partituren des Genres.

Diese Ursprungsgeschichte von Dracula war offensichtlich für düstere Horrorfilmmusik und Gothic-Vibes geeignet. Doch der großartige und talentierte Ramin Djawadi ging noch einen Schritt weiter und gab dem Film noch etwas mehr Leben. Die Hauptthemen von Dracula enthalten zweifellos Horrorelemente, aber sie sind interessanter und anspruchsvoller als die üblichen Routinethemen. Es hat eine gruselige dämonische Atmosphäre, eine gotische viktorianische Geige und unheimliche Gesangsgesänge, die als Flüstern beginnen und lauter werden, während sie die Spannung aufbauen.

Er fügt auch schöne Klänge und Texturen aus dem Nahen Osten hinzu, um die Umgebung widerzuspiegeln, insbesondere im Titel „Sultan Mehmed“. „This Life and the Next“ ist sowohl wunderschön als auch traurig, mit einer eindringlichen Gesangsmelodie. Natürlich gibt es auch bombastische Action-Einsätze und wunderschöne emotionale Stücke wie „I Will Come Again“. Ramin kümmert sich wirklich um alle Emotionen, die in der Geschichte vorkommen, von Gänsehaut und Nervenkitzel über Trauer und Kummer bis hin zu leichten Flüstern der Hoffnung. In der gesamten Filmmusik steckt eine Kreativität und Tiefe, die in Genrefilmen wie diesem nicht üblich ist und die man wirklich besser in Erinnerung behalten sollte.

Das „Transformers“-Franchise ist vielleicht das bisher einzige Mainstream-Blockbuster-Franchise über Roboter, das der Welt eine Fülle von Soundtracks beschert hat, die den Umfang und die epische Größe wirklich ernst genommen haben und damit weit über die Grenzen hinausgegangen sind, in rasante Höhen. Ausgehend von der Partitur des ersten Films schrieb Steve Jablonsky, ein peinlich unterschätztes Talent in der Welt des Komponierens, eine Partitur, die zu einer ernsthaften, Oscar-ähnlichen, poetischen Geschichte von Gut gegen Böse passen würde, ähnlich wie „Lord of the“. Ringe, keine kinderfreundliche Geschichte über riesige, sich verwandelnde Roboter. Mit dem unglaublich epischen und heroischen Autobots-Thema und dem toten, finsteren Decepticons-Thema mit diesen schurkischen Gesängen hat der Mann wirklich eine Shakespeare-Sensibilität in die Musik eingewebt, die einfach unglaublich war und die Filme auf ein großes Niveau gehoben hat.

Und mit dem vierten Film, der eigentlich überflüssige Musik hätte sein sollen, haucht Steve der Musik tatsächlich wieder neues Leben ein und fügt weitere interessante und epische Ebenen hinzu, die seit der ersten Filmmusik nicht mehr wirklich zu finden waren. Vom spannenden und intensiven „Lockdown“ über das interessante und ziemlich heroische „The Knight Ship“ bis hin zum wunderschönen und emotionalen „Tessa“ hat Steve neue kreative Leidenschaft in die Musik gesteckt und eine coole, wenn auch eher seltsame Entscheidung getroffen, Echos zu weben des Haupttitelsongs „Battle Cry“ von Imagine Dragons in Teilen der Partitur, einschließlich des Titels „Tessa“. Und sein Soundtrack hätte mehr Anerkennung verdient.

Ok, dieser Teil mit Arnolds erstem Comeback war also kein so großer Erfolg. Schade, denn es ist tatsächlich eines der besseren im Franchise und verdient wirklich eine weitere Chance auf Würdigung. Aber der am meisten unterschätzte Teil des Films war die Musik von Lorne Balfe, die ein absoluter Knaller ist! Er hat nicht nur das ursprüngliche Thema wie andere zuvor recycelt; Er verpasste ihm ein völlig neues Makeover und durchdrang seine Melodie durch die gesamte Partitur, was zu wunderbaren Titeln wie „Better Days“ und „Fate and Hope“ führte.

Das Liebesthema für Sarah & Kyle ist eines der schönsten, das Sie jemals hören können. Die Melodie des Hauptthemas umschmeichelt den gesamten Titel und steigert sich dann zu einem wunderschönen Wirbelwind aus tief empfundenen Emotionen, der zutiefst berührt. Und die Action-Hinweise sind episch, bombastisch und herzzerreißend. Es ist eine unglaublich leidenschaftliche, tiefgründige, ernsthafte, spannende und ziemlich emotionale Filmmusik, die für einen Terminator-Film angenehm überraschend ist.

Auch hier war es genial, die Melodie von Brad Fiedels ikonischem Thema durch die gesamte Landschaft zu ziehen und ihr wirklich Leben, eine Verbindung zum Franchise und ein Gefühl der Verbundenheit zu verleihen. Es ist eine der am meisten unterschätzten Partituren aller Zeiten.

Da dieses große DCEU-Team-Event bereits bei seiner Veröffentlichung eine ziemlich polarisierende Resonanz und einen ziemlich polarisierenden Ruf erlangte, wäre es verständlich, dass die Filmmusik des zurückkehrenden Hans Zimmer und seines Mitstreiters Tom Holkenborg alias Junkie XL in dem Durcheinander etwas untergehen würde. Eigentlich hatte es einen mäßigen Erfolg in den Charts, hätte aber mehr Lob erhalten sollen, da es sich wirklich um eine wunderbare Partitur im Franchise handelt, die das getan hat, was Fortsetzungsmusik tun sollte, nämlich die bereits etablierte Musikwelt zu erweitern, neue Ebenen zu finden usw Erweitern Sie frühere Themen, anstatt das Bestehende noch einmal aufzuwärmen oder anzurufen.

Tom hat für Batman ein wunderbar spannendes, episches, düsteres und wunderschönes neues Thema geschaffen, das die Gesamtheit seiner Figur umfasst, sowohl im Kontext der Filmgeschichte als auch der allgemeinen Figur von Batman. Es gab das Trauma, die Dunkelheit, die Traurigkeit, die Gewalt, die Angst und den Bombast, aber für diesen Batman enthielt es auch eine Müdigkeit, das Gefühl, jemand sei müde von dem Leben, das er geführt habe, und sei bereit, das Handtuch zu werfen. Es ist absolut eindringlich und fesselnd.

Eine gewaltige Leistung für Tom! Hans brachte sein ikonisches Man of Steel-Thema zurück, erweiterte es jedoch um neue emotionale Ebenen. Das mittlerweile ikonische und atemlose „Wonder Woman“-Thema schlägt wie eine Atombombe ein, und sein knirschender Schlachtruf eines Gitarrenriffs ist das perfekteste Thema für einen Amazonen-Krieger, wie es jemals geschrieben werden kann. Und Lex‘ Thema ist der absolut perfekte Sound für das böse Genie, mit stampfendem Klavier und schreienden klassischen Instrumenten, die sowohl seinen kultivierten Intellekt und seinen hohen Status repräsentieren als auch diese wahnsinnige, weltbeherrschende Intensität ausstrahlen, während sich der Rest des Themas dann weiterentwickelt in eine subtilere Unheimlichkeit, mit den Anklängen einer instabilen, wahnsinnigen Psychose, die diese Version von Lex hat, und dunklen, hinterhältigen Saiten, die die Perfektion eines Bösewichts darstellen.

Der Rest der Partitur hat all das Tolle, was man sich von einem Comic-Epos wünschen kann: die bombastischen Action-Cues, die spannenden und dramatischen, die hochemotionalen und schönen wie „This is My World“ und alles dazwischen. Es ist einfach eine der besten Fortsetzungsmusiken, die jemals geschrieben wurden.

Es gab nicht viele Adaptionen von Tarzan, daher war es interessant zu hören, welche musikalische Klangkulisse der berühmte Dschungelheld in der Neuzeit haben sollte. Es ist eine Freude zu sagen, dass der Komponist Rupert Gregson-Williams einen Volltreffer gelandet hat. Er hat eine Partitur geschaffen, die einfallsreich, spannend, actiongeladen, zeitweise faszinierend und auf jeden Fall episch war. Der Eröffnungstrack „Opar“ ist mit seinem exotischen, afrikanischen Gesang einfach großartig. Rupert vermittelt in der gesamten Partitur ein echtes Dschungelgefühl und streut viele naturalistische, ursprüngliche und tropische Texturen ein.

Tarzans Thema ist wundersam und heroisch. Sein Liebesthema mit Jane ist sanft und zärtlich. Und die Handlungshinweise sind kraftvoll, klingen aber nicht generisch; Sie haben auch ein exotisches Gefühl und interessante Klänge. Der Film mag ein gemischter Erfolg gewesen sein, aber sein Soundtrack verdient sicherlich mehr Lob und Aufmerksamkeit.

Als dieser DCEU-Bösewicht-Teamfilm herauskam, nachdem er auf der Welle seines überraschenden und immensen Hypes mitgeritten war, stahl sein Soundtrack tatsächlich viel Aufmerksamkeit, er veröffentlichte riesige Radiosingles verschiedener Künstler und kletterte sogar in eine ganze Reihe von Charts einen Preis und eine Nominierung zu erhalten und den Zeitgeist der Popkultur zu übernehmen. Es lenkte nicht nur das Rampenlicht vom Film ab, sondern auch von der großartigen Filmmusik von Steven Price.

Seine Partitur ist altmodisch episch, interessant und überraschend emotional. Er fängt die leicht heroische Rock-and-Roll-Stimmung des Teams gut ein. Er macht die Actionteile zu einer Mischung aus modern und altmodisch. Aber auch hier fügt er überraschenderweise wirklich viel Emotion hinzu. Etliche Titel unterstreichen diesen traurigen und tiefen emotionalen Reiz und verleihen der Musik und dem Film ein wirklich schlagendes Herz. Es gibt Nervenkitzel, stimmungsvolle Instrumentalstücke, dunkle Gothic-Vibes in einigen Titeln (besonders das Thema von Joker und Harley), große Emotionen und jede Menge Attitüde!

Dieser unterschätzte, hochkarätig besetzte Raubüberfall-Thriller hat auch eine noch unterschätztere und beeindruckendere Filmmusik unter der Leitung von Atticus Ross und in Zusammenarbeit mit Claudia Sarne, Leopold Ross und Bobby Krlic. Das Ergebnis ist ein äußerst stilvoller, elektrischer, pulsierender, experimenteller und mühelos cooler Soundtrack. Der Titel „Ticking Glock“ sollte die Begleitmusik zu jeder Raubüberfallszene in jedem Film sein und sein unerbittliches Tempo wird durch das tatsächliche Ticken der Uhr vorangetrieben. „Eleven Fifty Nine“ ist mit seinen Basslinien und der stimmungsvollen Elektronik ein Cop-Thriller Noir in Perfektion.

„War Porn“ fügt einige schöne, melancholische Emotionen hinzu. Der Rest der Partitur ist mit vielen dieser Elemente und anderen interessanten Klängen übersät. Und vergessen wir nicht Cypress Hills aufregendes und unheimliches „Pigs“ am Ende, remixt von Atticus Ross. Einfach einer der besten Cop- und Raubüberfall-Scores aller Zeiten!

Diese Adaption des beliebten Videospiels mit Michael Fassbender in der Hauptrolle mag weder bei den Kritikern noch finanziell ein Erfolg gewesen sein, aber die Filmmusik von Jed Kurzel hätte viel mehr Anerkennung verdient. Es ist absolut umwerfend, packend und faszinierend. Der Eröffnungstrack „Young Cal“ entführt Sie mit seiner antik klingenden, ethnischen Instrumentierung in eine ganz andere Zeit. Die eher aktionsorientierten Titel wie „First Regression“ und „Second Regression“ verblüffen und verführen mit ihrem arabisch-westlichen Hybrid, der Elektronik und wunderbar exotischen Drumbeats, und Titel wie „The Creed“ sind fesselnd, poetisch und emotional.

In der gesamten Musik herrscht ein Gefühl tiefer spiritueller und exotischer Einzigartigkeit, und überall sind viele ethnische und Stammesklänge verstreut. Vor allem der Titel „You're Not Alone“ fühlt sich wie ein Höhepunkt aller Klangelemente an, beginnend mit diesem hypnotischen Trommelrhythmus, über den sich dann die antike und exotische Erhabenheit und arabisch-mediterrane Einflüsse vereinen, bis hin zu einem wunderbaren Abschluss . Eine äußerst einzigartige, atmosphärische und bezaubernde Partitur.

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